Crítica de ‘Los Miserables’: “Todavía hay un mañana que cantar”

El musical más duradero de la historia del West End sigue invitando al público de todo el mundo a unirse a las barricadas. Guillermo Názara nos cuenta su experiencia viendo la nueva producción de la internacionalmente conocida obra maestra de Boublil y Schoenberg, para hacernos saber si el sueño aún puede ser soñado.

Tan oscuro, tan oscuro y profundo… los secretos que guardas. Pero no es ningún secreto que un musical que casi todos los críticos de la ciudad detestaron cuando se estrenó ha resultado ser la producción más longeva (excluyendo La Ratonera) de la historia del West End. A menudo los creadores afirman que no hay una fórmula para que un espectáculo tenga éxito, pero los ingredientes de éste son bastante evidentes: basta con coger un puñado (o un cubo) de algunas de las mejores letras jamás escritas para este género, 3 horas (más algunos compases adicionales) de una partitura poderosamente seductora y utilizarlas para adaptar la obra maestra de más de mil páginas de Victor Hugo. Y ya está. Ya tienes un éxito internacional, tanto comercial como artístico. Muy fácil, ¿verdad?

Bromas aparte (lo siento, es lo máximo que puedo decir hoy…), la cuestión es que Los Miserables es, con diferencia, uno de los retos mejor superados que ha tenido el teatro musical. En el momento de su primera representación en Londres, nadie esperaría que una producción que aborda temas tan sombríos pudiera resultar atractiva para el público en general, y mucho menos que se mantuviera en escena durante casi 40 años sin parar. Pero, sorprendentemente (para unos pocos), los críticos pueden tener… no tanta razón a veces, y los espectadores han demostrado tener un gusto magnífico a la hora de seleccionarla como favorita, ya que hay muchas razones por las que esta obra, y también esta nueva versión, hacen de ella una visita obligada.

Ambientada en algunos de los momentos más convulsos de Francia, su intenso argumento aborda temas tan inspiradores y conmovedores como el perdón, la comprensión y, sobre todo, la capacidad del amor para superar el odio y los prejuicios. Cuestiones que ahora parecen de moda (y obligatorias) para toda nueva narrativa ya estaban incorporadas, y probablemente mejor ejecutadas, tanto en la obra cumbre de Hugo (también vetada por la crítica en el momento de su publicación) como en el propio musical. No hace falta ser un convicto suelto o una pobre madre moribunda para enamorarse de estos personajes, e incluso atravesar su propia carga como si de alguna manera fuera parte de la tuya. No es casualidad que el mismo fenómeno se produzca repetidamente a lo largo de la obra, ya que la habilidad para hacer que los espectadores conecten con personas tan diferentes a ellos (intuyendo que comparten algún tipo de experiencias vitales comunes) sólo puede darse a través de un tipo de hechizo concreto: el que proviene de una narración brillante. Y, en este caso, también de una magnífica adaptación del material original.

Pero a medida que los veranos se suceden, el brillo de una obra lustrosa puede desvanecerse fácilmente, y así fue. Aunque Les Miz no era muy conocida por sus enormes decorados o sus impresionantes efectos especiales, también es cierto que la producción original llevaba tiempo pareciendo anticuada. De ahí que fuera muy necesaria una gran renovación. Tras la gira del 25º aniversario en el Reino Unido, que se celebró hace 12 años, el trabajo se ha hecho a conciencia y ha dado claramente sus frutos.

El querido (aunque un poco recurrente) escenario giratorio ha desaparecido y ha sido sustituido por más atrezzo y decorados físicos, aparte de las proyecciones sobre el telón de fondo como mecanismo de mejora. Los que me conocen saben que a menudo desprecio el uso de estos últimos, que suelo atribuir a la falta de imaginación y al bajo presupuesto. Este no es el caso. Al igual que un cuadro magistral depende de las capas de tonalidades y matices para lograr su propósito, los dibujos de niebla (realizados por el propio Hugo) que se muestran en la parte inferior funcionan como las pinceladas finales de una intrincada pintura, que ahora desprende la fastuosidad que no tenía su predecesora, al menos no en esa medida. Hay muchos momentos sorprendentes (que no voy a estropearles) y las nuevas transiciones contribuyen no sólo a un espectáculo más fluido, sino también a un ritmo más rápido. Si añadimos las nuevas orquestaciones (con arreglos más detallados y una variedad de sonidos más rica) y los pequeños retoques realizados en algunas canciones (sólo para mejorar el dramatismo de la partitura original), no hay confusión a la hora de concluir que el nuevo equipo creativo ama este musical tanto como sus más fieles seguidores.

As for the cast, nobody will be caught off guard when I say that Jon Robyns is definitely a brighter star than those Javert sings about. Extremely good acting meets a robust and intoxicating voice, resulting in one solid (and without any traces of exaggeration, fantastic) performance. Along with him, the marriage (only in fiction) of Gerard Carey and Josefina Gabrielle as M. and Mme. Thérnardier means another extraordinary contribution to the company – as their remarkable chemistry and instictive stage presence ensures they stand out not only thanks to their goofy characters, but their attention-grasping comicality.

Pero también se han proyectado algunas sombras sobre el valle de los pobres, ya que durante mi asistencia, Chanice Alexander-Burnett (en el papel de la heroína trágica Fantine) estuvo ligeramente fuera de tono durante todo el himno definitivo de su personaje (I Dreamed The Dream), siendo su actuación un poco sobreactuada también. Por otro lado, Sha Dessi, en el papel de la intrépida Éponine, parece fallar en la dirección opuesta, con una interpretación demasiado contenida y carente de la agitación emocional que este papel necesita para emanar. Afortunadamente, también hay algunos descubrimientos maravillosos, que provienen especialmente de Will Richardson como el feroz e inspirador Enjolras, haciendo gala de una exquisita técnica vocal y un carisma imponente, lo que sugiere quizás el comienzo de una estancia más larga en la legendaria producción de Londres.

No hay nada como un sueño para crear futuro. Puede que Hugo condenara la idea de que sus desdichados fueran adaptados a un musical (como declaró claramente en su testamento). Pero, sin saberlo, en el momento en que escribió esa cita, había previsto lo que le esperaba a su más querida creación. La ame o la odie, es indiscutible que Los Miserables cambiaron para siempre el curso de este género y alumbraron un camino para las nuevas obras que vendrían. Un camino cuya antorcha sigue sosteniendo. Un camino cuyo frente sigue liderando. Porque en cada amanecer que amanece en el West End londinense, sigue alimentándose de la luz de la última noche de Los Miserables.

4/5 estrellas.

Les Misérables se representa en el Sondheim Theatre de Londres de martes a domingo. Las entradas están disponibles en este link.

Por Guillermo Názara

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