Entrevista a Miguel Antelo, actor, director, dramaturgo y doblador

Tras haber participado en prácticamente todas las ramas del espectáculo, Miguel Antelo se ha convertido en uno de los artistas españoles más versátiles y con una de las trayectorias más sorprendentes. Actor, cantante, director, escenógrafo… -entre otras muchas cosas-. Su talento y sus inquietudes no parecen saciarse nunca, y así lo ha demostrado este año, al adaptar y dirigir uno de los shows más impresionantes de Madrid, Priscilla, Reina del Desierto, además de estrenar varias obras de autoría  propia -en todos los sentidos-. En esta nueva entrevista para Primera Fila, Guillermo Názara se reúne con Miguel para conocer a fondo los momentos más importantes de su carrera, además de conocer qué se trae entre manos para esta nueva temporada.

Buenas tardes, y antes de nada muchas gracias por la entrevista e interesarte por mi labor… Lo cierto es que me suelen llamar “el hombre renacentista” porque toco bastantes palos, casi todos ellos relacionados con lo artístico. Cuando trabajo en un proyecto enseguida se crea en mi cabeza una visión global del mismo y por suerte, el ser bastante “apañao” me permite plasmar mis ideas de forma integral conjugando diversas disciplinas: dirigiendo, escribiendo, componiendo, y diseñando. Soy autodidacta en muchos de estos aspectos, si bien en su día estudié Comunicación audiovisual en la Universidad, y diseño/dibujo en una escuela de animación y bellas artes. Mi formación como actor y cantante también ha sido muy valiosa para escribir, componer y, a posteriori, dirigir actoral y vocalmente a mis actores.

No obstante, tus comienzos en la industria fueron como presentador del popular y añorado programa Club Disney. ¿Cómo surge la oportunidad de conducir este espacio? ¿Con qué te quedarías de esa experiencia?

Fue de la manera más casual e inesperada, la verdad. En mi primer año de carrera fui a acompañar a una amiga a un casting para el programa, y Juani Labrador, la directora de una agencia de representación de actores, al verme allí insistió mucho en que hiciera el casting. Tuvo que literalmente arrastrarme dentro de la sala, y supongo que el tomármelo a coña y como un juego hizo que los directivos de Disney que vieron las cintas se fijaran en mi espontaneidad. Tras pasar una infinidad de castings y poner a prueba mi lado más payaso y mis conocimientos frikis (siempre he sido un enamorado de las películas de animación en general y de Disney en particular), Alberto Rull y Mark Holness, productores ejecutivos del programa, decidieron apostar por mí y cambiarme literalmente la vida. Conducir un directo de dos horas diarias durante tres años me dio muchas tablas y experiencia; y además me permitió viajar a sitios alucinantes, entrevistar a gente muy interesante, e incluso cantar con artistas internacionales a los que admiraba enormemente. Sin duda es una época que recuerdo con mucho cariño y una de las mejores experiencias laborales de mi carrera.

En el teatro musical te iniciaste en una de las obras de mayor éxito en España, el espectáculo Mamma Mia!. ¿Por qué decidiste cambiar de medio? ¿Qué retos te supuso como actor trabajar en un formato tan diferente al que hacías en Disney?

En Disney comencé a hacer mis pinitos como actor y cantante, hasta el punto de que Universal me ofreció un suculento contrato discográfico que hizo que dejara el programa. Finalmente el disco nunca vio la luz pero hizo que desarrollara a fondo mi faceta de cantante y me llevó a cambiar de tercio radicalmente. Tras trabajar como cantante en el coro gospell de Sheila Cuffy y grabar infinidad de guías y coros para numerosos artistas, me presenté al casting del primer Mamma Mía! (2004) y fui elegido. Ahí comenzó mi andadura en el mundo de los musicales, y fue un gran reto actuar en un Lope de Vega lleno a diario hasta la bandera. Aprendí el sacrificio y disciplina necesarios para realizar el mismo trabajo todas las noches durante tres años, y mantener el nivel de concentración y energía sin bajar nunca el listón.

Sin embargo, tu mayor logro como actor de musicales llegó más tarde, cuando protagonizaste la gira de Peter Pan. Son muchos los artistas que han dado vida a este personaje en un sinfín de versiones, ¿cómo se consigue hacer propio un papel tan manido?

Tras Mamma Mía! interpreté a Peter Pan durante más de un año, un bombón de personaje que disfruté muchísimo por la magia que se creaba en escena cada noche. Fue fácil hacerlo mío porque creo tener innata esa energía de “niño grande” que define la esencia de Peter Pan. No obstante, el trabajo como actor de musicales del que me siento más orgulloso es el que realicé como alternante/swing de actores en 40 el musical, donde me ponía cada semana en la piel de tres personajes protagónicos diferentes. Me permitió desarrollar mi versatilidad, adaptando mi interpretación actoral y vocal a códigos y registros muy diferentes, pues era un musical muy ecléctico en repertorio y en propuesta escénica- según el personaje, el acting iba de la naturalidad más extrema a la comedia más física, lo cual te mantenía siempre alerta para adaptarte al código en el que se movía el personaje que te tocara interpretar. Más experiencia para la mochila, y lujo trabajar a las órdenes de Miquel Fernandez junto a compañeros consagrados con trayectorias brillantes.

Tras la gira por España, debutaste en Londres interpretando el mismo rol. ¿Cómo llegó esa oportunidad?

La producción española de Peter Pan llegó a un acuerdo con el Garrick Theater de Londres para hacer un short run del musical durante dos meses. Fue todo un lujo pisar las tablas del West End y empaparse de la gran oferta cultural de la ciudad, además de que tuve la suerte de recibir muy buenas críticas por mi trabajo. La verdad es que fue una gran oportunidad y una experiencia muy enriquecedora.

Las diferencias entre el público español y londinense son evidentes en cuanto a la tradición que hay sobre este género, mucho mayor en los británicos. ¿Cómo crees que esto influye en la acogida de un musical original como es Peter Pan?

Versionar  un texto de un autor británico y hacerlo en Londres “a la española” es algo muy arriesgado, pero el buen hacer del equipo fue valorado por crítica y público. El momento en que Peter habla en inglés con el público y  pide que canten con él “hay que creer en hadas” era especialmente emocionante y funcionaba maravillosamente bien, supongo que el público londinense no estaba acostumbrado a que el protagonista rompiera la cuarta pared para pedirles que cantaran con él… ¡Y les gustaba!

Después de tu paso por esta obra, te inicias como adaptador de libreto con uno de los musicales más atrevidos de los últimos años, Avenue Q. ¿Cómo se adapta una obra tan reflejo de la sociedad americana para que funcione en España?

Avenue Q fue mi primera adaptación para un musical de gran formato, y sin duda la más difícil y satisfactoria que tenido la oportunidad de realizar.  En principio la idea de los productores era ubicar la acción de la versión española en Madrid, pero con gran acierto se acabó optando por mantener la acción en Nueva York y buscar solución a muchos gags con chistes universales que fueran propios de EEUU pero que fueran afines a la cultura española. La adaptación de las canciones fue especialmente complicada por la gran cantidad de juegos de palabras y dobles sentidos que esconden; pero creo que el resultado fue fantástico y el musical recibió grandes críticas, además de ganar el premio Max al mejor musical del año.

Tu último trabajo como adaptador ha sido en Priscilla, Reina del Desierto. Pero esta no ha sido tu única misión, ya que también eres el director residente. ¿Cuál es secreto para hacer que una producción se mantenga siempre fresca?

Creo que es una combinación de muchos factores, en primer lugar es imprescindible rodearse de un equipo profesional, que disfrute y ame su trabajo. La segunda clave es la disciplina, ya que sólo un elenco disciplinado es capaz de estar al cien por cien en cada función. Mi misión como director residente es asegurarme de que el espíritu de la obra que se puso en pie siga vigente, y de crear un clima de trabajo que favorezca el que siga siendo divertido hacerla cada día. No es tarea fácil, pero afortunadamente tenemos un elenco fantástico, que además se siente orgulloso del musical en el que trabaja. Creer en el proyecto que estás haciendo también es clave para no “permitirte” nunca bajar el listón.

Si tuvieras que elegir un musical de todos los que has adaptado, ¿cuál sería y por qué?

Digamos que mi corazón está dividido. Por un lado, Avenue Q fue mi carta de presentación como adaptador y no puedo sentirme más orgulloso del resultado final. Por otro, Priscilla es un proyecto también muy especial para mí; y está siendo un auténtico exitazo.

Fue un lujo que SOM trajera al equipo artístico australiano original para montar Priscilla en Madrid, y aprendí mucho de trabajar mano a mano con Dean Bryant, director del espectáculo, como su intérprete  y ayudante. Pienso que el ser a la vez adaptador y ayudante de dirección fue muy beneficioso para el show, pues Dean me dio muchas claves para darle más “capas” a la adaptación, y a la vez el trabajo conjunto que hicimos con los actores permitió superar las barreras idiomáticas y exprimir al máximo las aportaciones de nuestro trío protagonista, sacando el máximo partido de sus capacidades interpretativas y haciendo una versión de Priscilla única y distintiva, alejada de la habitual rigidez de otras franquicias.

También te has movido en el mundo del doblaje. ¿Cómo comenzaste a trabajar en este sector?

Más que “haberme movido”, podría decirse que desde hace 5 años el doblaje es el ámbito que me ha aportado más estabilidad laboral, pues el flujo de trabajo es bastante constante y de dos años para acá puedo decir que he logrado hacerme un hueco (algo nada fácil) y ganarme el respeto de mis compañeros. Comencé doblando canciones en películas y series, y de forma natural comencé a hacer texto, primero cosas muy pequeñas y poco a poco, papeles cada vez más importantes.  Es una profesión que adoro y en la que espero poder seguir expresándome muchos años.

Si hay un personaje por el que el público te recuerda en este ámbito, este es Olaf, el peculiar muñeco de nieve amante del verano de la película Frozen, de Disney. ¿Cómo fue participar en la versión española del mayor éxito de la compañía en los últimos años? ¿Os imaginabais la espectacular acogida que ha recibido?

Partiendo de la base de que soy un enamorado del mundo de la animación, uno de mis sueños desde pequeño era poner mi voz en un largometraje de Disney. Y he tenido la suerte de participar en un peliculón con un éxito sin precedentes en todo el mundo, y con el mejor personaje que podría haber imaginado. Mientras hacíamos la película sabíamos que iba a ser algo especial, ¡pero no podíamos imaginar ni de lejos que iba a tener tal repercusión! Ha sido un auténtico regalo y un sueño cumplido, no podría sentirme más afortunado.

¿Con qué rasgo de Olaf te quedarías? ¿Desecharías alguno?

Me quedo con su inocencia y su capacidad de enternecer a todo el mundo. ¡No cambiaría nada de él!

Pasemos a hablar de tu faceta de compositor. Son varias las obras infantiles que has creado, de las cuales la más reciente es Hansel y Gretel. Háblanos un poco sobre este proyecto y sobre cómo surge.

Hansel y Gretel es mi tercera producción original (tras Érase una vez y Don Pepito) en la que he vuelto a ejercer de “hombre orquesta” escribiendo el libreto, componiendo las canciones, diseñando la escenografía y el vestuario, dirigiendo y produciendo. Tuve la suerte de contar conSonia Dorado como coreógrafa y ayudante de dirección, y un reparto fantástico en estado de gracia. Surgió de la necesidad de adaptarnos a la situación teatral actual, en la que los bolos a caché son casi una utopía y los titulos inéditos mucho más complicados de programar. Decidí coger un clásico, y con la inestimable ayuda de mi “muso” Christian Escuredo, le dimos una vuelta a la historia original y reescribí el texto para hacer algo inesperado y sorprendente, creando un musical de pequeño formato extremadamente cuidado. Estoy especialmente orgulloso de este trabajo porque se creó en tiempo record, y todo encajó a la perfección desde el principio. Todo aquel que lo ve se enamora y no es para menos, es un buen ejemplo de que con medios limitados pueden hacerse espectáculos de calidad.

¿Cuál es tu proceso a la hora de componer? ¿Qué escribes primero: letras o música? ¿Partes de una escaleta o prefieres crear primero los números musicales?

Generalmente parto de una escaleta, decido qué canciones necesita el espectáculo y a partir de ahí dejo fluir la inspiración. Siempre empiezo con las melodías y las letras van surgiendo solas. Soy bastante versátil y rápido a la hora de componer, y me lo paso muy bien montando las voces y grabando las guías para los actores… ¡Siempre doy las gracias por tener la suerte de poder trabajar en algo que me apasiona tanto!

Parece que Hansel y Gretel regresa a Madrid estas Navidades. Si tuvieras que dar una sola razón para que el público fuera a verla, ¿cuál sería?

Por fin vamos a traer Hansel a Madrid, y además por la puerta grande: estaremos del 21 de diciembre al 10 de Enero en el Teatro Fernán Gomez. Podría darte mil razones por las que venir a ver el espectáculo, pero la primera que me viene a la cabeza es la más sincera: Se trata de un espectáculo tan bonito, divertido, honesto y bien hecho que se merece funcionar en Madrid. Cualquier amante del teatro de calidad lo apreciará muchísimo, pues trasciende el formato infantil/familiar y es 100% disfrutable para cualquier tipo de público.

Además de todo lo que estás haciendo, ¿tienes algún nuevo proyecto entre manos?

Siempre tengo nuevos proyectos entre manos, mi cabeza nunca descansa.  De momento no puedo decir nada, aunque estoy muy ilusionado porque son proyectos ambiciosos con proyección internacional. ¡Seguiremos informando!